UUHAI : «El pasado ofrece equilibrio en un presente que se mueve demasiado rápido»

UUHAI surgió tras una respuesta internacional muy fuerte a vuestros primeros lanzamientos. ¿En qué momento sentisteis que el proyecto se convirtió plenamente en una banda con un discurso artístico y cultural propio?

Al principio, UUHAI estaba impulsado por la curiosidad y el instinto más que por un plan fijo. Los primeros lanzamientos fueron una exploración del sonido, de la identidad y de cómo la expresión tradicional mongola podía convivir de manera natural dentro de un marco moderno de rock y metal. No comenzamos pensando en términos de estrategia ni de alcance internacional. Simplemente seguimos lo que se sentía honesto.

El punto de inflexión llegó cuando vimos cómo personas de culturas muy diferentes reaccionaban a la música de una manera emocionalmente similar. Cuando oyentes que no hablaban mongol ni conocían nuestras tradiciones empezaron a sentir el mensaje, la energía y el espíritu detrás de las canciones, nos dimos cuenta de que esto ya no era solo un experimento. La música estaba comunicando algo real y coherente. En ese momento, UUHAI se convirtió en algo más que un proyecto, se convirtió en una banda con responsabilidad. Entendimos que lo que estábamos haciendo tenía un significado cultural además de un peso artístico. Nuestro sonido, nuestro idioma y nuestros temas ya no eran solo elecciones personales. Pasaron a formar parte de una conversación más amplia entre la tradición y el mundo moderno.

A partir de ahí, nuestra dirección artística se volvió más clara, nos comprometimos plenamente a expresar la identidad mongola a través de nuestra propia voz, sin imitación y sin concesiones, pero hablando al mismo tiempo de manera abierta a una audiencia global. Esa claridad dio forma a todo lo que vino después, desde la composición y lo visual hasta las actuaciones en directo y la manera en que nos presentamos en escenarios internacionales. Así que el cambio se produjo de forma natural. No fue un único momento, sino una toma de conciencia gradual. UUHAI quedó definido cuando comprendimos que nuestra música había encontrado su propósito, y que ese propósito estaba siendo entendido mucho más allá del lugar donde nació.

Sois siete músicos con roles muy específicos. ¿Cómo os organizáis creativamente dentro de una estructura tan amplia?

Tener siete músicos con funciones muy diferentes puede parecer complejo, pero para nosotros la cohesión nace de una intención común más que de una estructura rígida. Desde el principio acordamos que cada instrumento y cada voz debían servir al mismo mensaje. Ningún elemento existe para mostrar técnica o individualidad por sí sola. Todo existe para sostener la canción y su núcleo emocional.

En lo creativo, la mayoría de las composiciones comienzan con una idea o sensación central. A veces parte de un ritmo, otras de una melodía del morin khuur, otras de una textura vocal o de un patrón simple de percusión. A partir de ahí, cada músico aporta de una manera que refuerza esa idea en lugar de competir con ella. Nos escuchamos con atención y dejamos espacio cuando el espacio es necesario. La base rock nos da estabilidad. La batería, el bajo y las guitarras proporcionan una columna vertebral clara que mantiene todo unido. Sobre esa base, los instrumentos tradicionales y el canto de garganta se entrelazan como voces iguales, no como un adorno. Se tratan con la misma importancia que cualquier instrumento de rock, lo que ayuda a mantener el equilibrio y la unidad.

Nuestra identidad compartida también proviene de una comprensión cultural común. Todos compartimos el mismo respeto por la tradición mongola, la naturaleza y la narrativa ancestral. Incluso cuando las partes son complejas o están muy superpuestas, nacen de una misma visión del mundo. Ese trasfondo común guía de forma natural nuestras decisiones y mantiene el sonido cohesionado.

Al final, la cohesión no tiene que ver con el control, sino con la confianza. Confiamos unos en otros para servir a la música y, gracias a eso, una estructura amplia se convierte en una sola voz en lugar de muchas separadas.

Hablemos de vuestro debut. Human Herds establece constantemente un diálogo entre la historia de Mongolia y la sociedad actual. ¿De qué necesidad nace ese cruce entre pasado y presente?

El cruce entre pasado y presente en Human Herds surge de una necesidad más que de un concepto. Para nosotros, la historia no es algo lejano ni congelado en el tiempo. Vive en nuestro idioma, en nuestros valores y en la manera en que entendemos el mundo. Al mismo tiempo, formamos parte plenamente de la sociedad contemporánea y afrontamos las mismas presiones globales, cambios y contradicciones que el resto.

Este diálogo surge porque las preguntas a las que se enfrentaron nuestros antepasados siguen siendo relevantes hoy. Cómo deberían convivir las personas. Cómo debería usarse el poder. Cómo proteger la tierra que nos sostiene. La vida moderna avanza a menudo muy rápido, pero la sabiduría que contiene la historia ofrece perspectiva y equilibrio. Ignorar esa conexión nos resultaría incompleto y deshonesto.

Human Herds refleja la tensión entre el movimiento humano acelerado y el conocimiento ancestral. Vemos un mundo más conectado que nunca, pero a menudo desconectado de la naturaleza y de la responsabilidad. Al poner el pasado en conversación con el presente, no intentamos idealizar la historia, sino utilizarla como un espejo para examinar quiénes somos ahora.

Para nosotros, la tradición no es algo que deba conservarse detrás de un cristal. Es algo que debe activarse. Cuando la historia y la vida contemporánea se encuentran en nuestra música, generan sentido. Nos recuerdan que el progreso sin memoria puede convertirse en destrucción, y que la identidad sin adaptación puede volverse estancada.

Esa necesidad nace de vivir entre dos mundos. Estamos con un pie en el conocimiento ancestral y el otro en la realidad moderna. Human Herds existe en ese espacio porque ahí es donde existen nuestras vidas y donde creemos que deben plantearse las preguntas verdaderamente importantes.

El título del álbum, Human Herds, sugiere una mirada crítica a la condición humana. ¿Qué tipo de reflexión queréis abrir con este concepto?

El título Human Herds es una invitación a reflexionar sobre quiénes somos como humanidad y cómo nos movemos juntos por el mundo. No pretende ser una acusación, sino un espejo. Queríamos observar la condición humana con honestidad, desde la compasión pero también desde la responsabilidad. La palabra herd (manada) apunta a nuestra naturaleza colectiva. Los seres humanos somos sociales: migramos, nos reunimos, seguimos, resistimos y repetimos patrones de manera conjunta. Esto puede ser poderoso y hermoso, pero también puede volverse peligroso cuando se pierde la conciencia. La historia nos muestra que tanto la gran creación como la gran destrucción suelen producirse cuando las personas se mueven sin reflexión. Esa tensión está en el corazón del álbum.

Con este concepto, queremos que los oyentes se planteen preguntas simples pero importantes. ¿Hacia dónde vamos juntos? ¿Nos movemos con respeto por la tierra y entre nosotros? ¿Estamos creando o consumiendo sin pensar en las consecuencias? Human Herds no ofrece respuestas cerradas; abre un espacio para la conciencia. Al mismo tiempo, el título también contiene esperanza. Una manada puede proteger a sus miembros, puede moverse en armonía y sobrevivir a condiciones duras gracias a la unidad. Creemos que la humanidad aún tiene esa elección. El álbum invita a desacelerar, a recordar nuestra conexión con la naturaleza y a actuar con cuidado en lugar de por impulso.

Así, Human Herds es una reflexión sobre el movimiento, la responsabilidad y la elección. Nos pide reconocer el camino que compartimos y decidir juntos hacia qué tipo de futuro queremos avanzar.

Y, la canción «Human Herds» apela a los antepasados y a nuestra relación con la naturaleza. Háblanos del origen de este tema y de cómo esa dimensión ecológica y espiritual se articula a lo largo del álbum.

La canción nació de un momento de reflexión más que de una idea musical. Comenzó con la sensación de que la humanidad avanza muy rápido, mientras olvida las voces silenciosas que antes nos guiaban. En la cultura mongola, los antepasados no son figuras lejanas del pasado: representan la experiencia acumulada, la memoria y la responsabilidad. Invocarlos en la canción es una forma de pedir equilibrio y conciencia, no nostalgia.

La dimensión ecológica del tema surge de manera natural a partir de esa visión del mundo. Para las culturas nómadas, la naturaleza no es un recurso que se utiliza, sino un sistema vivo del que los seres humanos forman parte. Cuando la canción habla de la Madre Tierra, no se trata de poesía simbólica, sino de una relación real. La tierra da la vida y, a cambio, se espera que los humanos actúen con cuidado y contención.

En lo espiritual, la canción conecta la respiración, el ritmo y la voz con esta idea de pertenencia. El uso del canto de garganta, las voces superpuestas y el movimiento rítmico constante buscan transmitir una sensación de arraigo, casi ritual. Reflejan el acto de escuchar más que de hablar, de detenerse lo suficiente como para comprender dónde se está. Esa misma conciencia ecológica y espiritual recorre todo el álbum. Algunas canciones hablan de forma suave, otras con urgencia, pero todas regresan a la misma pregunta sobre la responsabilidad. Ya sea que hagamos referencia a la historia, al mito o a la vida contemporánea, el mensaje de fondo se mantiene coherente: los seres humanos no estamos separados de la naturaleza, formamos parte de ella.

«Human Herds» marca el tono del álbum al abrir ese espacio de reflexión. Invita al oyente a desacelerar, a recordar la conexión entre pasado y presente y a replantearse cómo avanzamos juntos, no solo como individuos, sino como una única manada humana.

Sobre la canción «Uuhai», es importante porque lleva un grito ancestral al centro del ritual escénico. ¿Qué significa para vosotros llevar un clamor ancestral de buena fortuna a los escenarios europeos? Al mismo tiempo, ¿sentís una responsabilidad especial al representar elementos culturales tan específicos fuera de Mongolia?

La palabra Uuhai tiene un significado profundo para nosotros. Es un grito ancestral de fuerza, valentía y buena fortuna, utilizado durante siglos en momentos de unidad, celebración y determinación. Cuando llevamos ese grito a los escenarios europeos, se convierte en algo más que un elemento escénico: pasa a ser un momento compartido entre culturas. Escuchar a miles de personas gritar Uuhai de vuelta, incluso sin conocer el idioma, es muy poderoso. Demuestra que la emoción y la intención pueden viajar más allá de las palabras. En esos momentos, el grito deja de ser únicamente mongol y se transforma en una expresión humana de energía, unidad y liberación. Eso es algo que valoramos muchísimo.

Al mismo tiempo, somos muy conscientes de la responsabilidad que implica presentar elementos culturales fuera de nuestro país. No son símbolos que utilicemos a la ligera ni por mero efecto. Provienen de una tradición viva y cargada de significado que debe ser respetada. Cada vez que interpretamos Uuhai, lo hacemos con gratitud y con plena conciencia de su origen. No nos vemos como propietarios de estas tradiciones, sino como mensajeros. Nuestra tarea es llevarlas a nuevos espacios con honestidad, sin distorsionarlas y sin que pierdan su espíritu. Eso implica mantener los pies en la tierra, escuchar nuestras raíces y asegurarnos de que la música siga siendo sincera y no simplemente decorativa.

Llevar Uuhai a los escenarios europeos es a la vez una alegría y una responsabilidad. Nos recuerda que el intercambio cultural funciona mejor cuando se basa en el respeto, la apertura y el cuidado. Cuando ese equilibrio existe, un grito antiguo puede encontrar nueva vida y nuevo significado sin perder su alma.

A lo largo del álbum alternáis pasajes íntimos con momentos claramente pensados para el directo. ¿Cómo gestionáis ese equilibrio dentro del lenguaje del directo?

Para nosotros, lo ritual y lo performativo no son opuestos, nacen de una misma fuente. En la cultura tradicional mongola, la música nunca se separó en categorías privadas o públicas. Un ritual, una reunión o una celebración siempre implicaban una forma de interpretación, y toda interpretación llevaba consigo una intención.

Cuando componemos, partimos de la emoción más que de la planificación escénica. Algunos pasajes se vuelven de manera natural más íntimos, silenciosos e introspectivos. Otros crecen en energía y movimiento. No forzamos ese contraste; dejamos que sea la propia canción la que decida lo que necesita. El equilibrio surge de escuchar con atención la emoción de cada pieza. El lado ritual se apoya en la repetición, la respiración y el arraigo. El canto de garganta, los cantos repetitivos y los ritmos constantes generan una sensación de concentración y presencia. Estos elementos invitan al oyente a mirar hacia dentro, incluso en medio de una gran multitud. El lado performativo nace de la liberación: ritmos potentes, riffs contundentes y cantos colectivos permiten que la energía se proyecte hacia fuera y se comparta. En el escenario, ambos aspectos se sostienen mutuamente. Los momentos íntimos dan sentido a los más explosivos. Sin quietud, la potencia se convierte en ruido; sin energía, la reflexión se vuelve distante. Diseñamos nuestros directos para que el público pueda transitar entre esos estados de forma natural.

Al final, el equilibrio se encuentra a través de la honestidad. Cuando la intención es verdadera, ritual y performance no compiten, sino que se funden. Lo que ocurre sobre el escenario se convierte en una experiencia viva, más que en un simple espectáculo, y ahí es donde creemos que se crea la conexión más fuerte.

«Secret History of the Mongols» toma su nombre del texto literario más antiguo en lengua mongola. ¿Por qué decidisteis cerrar el álbum mirando tan atrás en el tiempo?

Elegimos cerrar el álbum con «Secret History of the Mongols» porque, a veces, mirar hacia atrás es la forma más clara de avanzar. Ese texto no es solo la obra escrita más antigua en lengua mongola, sino también un fundamento de pensamiento, valores e identidad que aún hoy moldea nuestra manera de entender la responsabilidad, la unidad y el liderazgo. Human Herds comienza cuestionando hacia dónde se dirige la humanidad y qué estamos haciendo con la Tierra. Cerrar con «Secret History of the Mongols» devuelve al oyente a un momento en el que la supervivencia dependía del equilibrio, el respeto y la conciencia colectiva. Nos recuerda que los desafíos actuales no son del todo nuevos: nuestros antepasados también afrontaron dificultades, conflictos e incertidumbre, y dejaron tras de sí sabiduría sobre cómo avanzar juntos.

En lo musical y emocional, el tema final funciona como un punto de encuentro. Contiene fuerza, reflexión y una sensación de continuidad. Al terminar el disco con esta canción, queríamos transmitir que el pasado no es algo que queda atrás, sino algo que llevamos con nosotros. El futuro se vuelve más claro cuando recordamos de dónde venimos.

Cerrar el álbum mirando tan atrás en el tiempo fue nuestra manera de dar arraigo a todo lo anterior. Tras explorar el movimiento moderno, el caos, la responsabilidad y la unidad, regresamos a la raíz. Esa raíz nos recuerda que la humanidad siempre ha buscado sentido, equilibrio y dirección. El álbum termina ahí porque es ahí donde comienza la comprensión.

Al trabajar con esta referencia histórica del siglo XIII, ¿qué paralelismos encontráis entre la Mongolia de aquella época y el mundo que habitamos hoy?

Cuando observamos el mundo descrito en «The Secret History of the Mongols», no vemos un pasado lejano ni irrelevante. Vemos una sociedad atravesada por un cambio intenso, la incertidumbre y el movimiento constante. Ahí es donde aparecen los paralelismos más claros con la actualidad.

En el siglo XIII, Mongolia existía en un contexto de transformación permanente. Las tribus se formaban y se disolvían, las personas migraban y el liderazgo se ponía a prueba en condiciones extremas. La supervivencia dependía de la unidad, de valores claros y de una profunda comprensión de la responsabilidad hacia la tierra y la comunidad. Esas presiones resultan muy familiares hoy en día, aunque el contexto sea distinto. Nuestro mundo moderno también está en movimiento constante. Las fronteras cambian, las sociedades se transforman rápidamente y la tecnología acelera el comportamiento humano más rápido de lo que somos capaces de reflexionar. Al igual que en el pasado, la humanidad se enfrenta a preguntas sobre el poder, el liderazgo y sobre cómo el movimiento colectivo puede generar estabilidad o destrucción. La escala ha cambiado, pero la condición humana no.

Otro paralelismo importante es la relación con la naturaleza. En el siglo XIII, la vida dependía directamente de la tierra, de las estaciones y del equilibrio con el entorno. Hoy estamos más desconectados de la naturaleza, pero al mismo tiempo dependemos de ella más que nunca. Las consecuencias de ignorar ese equilibrio son ahora globales, lo que hace que la sabiduría del pensamiento ancestral resulte especialmente relevante. Al trabajar con esta referencia histórica no pretendemos sugerir que el pasado fuera perfecto, sino que contiene lecciones. El mundo que habitamos hoy se enfrenta a su propia versión del caos y de la elección. Mirar atrás nos ayuda a reconocer patrones y nos recuerda que la conciencia, la unidad y la responsabilidad no son invenciones modernas, sino necesidades atemporales.

Por eso el diálogo entre pasado y presente es tan importante para nosotros. Muestra que la humanidad siempre ha estado ante encrucijadas. La cuestión no es si la historia se repite, sino si elegimos aprender de ella.

Vuestra propuesta ha sido descrita como “una invitación al corazón de Mongolia”. ¿Qué os gustaría que el público extranjero comprendiera de verdad sobre vuestra cultura y qué ideas preconcebidas os gustaría desmontar?

Si nuestra música es una invitación al corazón de Mongolia, lo que esperamos que la gente comprenda es que nuestra cultura está viva, es reflexiva y evoluciona constantemente. Mongolia no es solo un lugar de historia o leyenda; es una sociedad viva, con profundidad, creatividad y conciencia contemporánea, arraigada en la tradición pero no atrapada en el pasado. Una de las ideas preconcebidas más habituales es que la cultura mongola solo existe en una forma antigua o exótica. Aunque nuestras tradiciones son antiguas, no están congeladas. Siguen guiando la vida cotidiana, los valores y la expresión artística en el presente. Nuestra música refleja esa continuidad: transporta la memoria ancestral mientras dialoga con preocupaciones contemporáneas como la responsabilidad medioambiental, la unidad y la identidad.

También nos gustaría desmontar la idea de que la cultura mongola es lejana o difícil de comprender. En su esencia, habla de experiencias humanas universales. El respeto por la naturaleza, la comunidad, la responsabilidad, la resiliencia y el equilibrio son valores compartidos por personas de todo el mundo. El idioma y los sonidos pueden resultar desconocidos, pero las emociones no lo son. Otro malentendido es pensar que tradición y modernidad no pueden convivir. A través de nuestra música mostramos que pueden reforzarse mutuamente. Los instrumentos tradicionales y las técnicas vocales no limitan la expresión; la amplían. Combinados con el rock y el metal modernos, crean un nuevo lenguaje que está a la vez arraigado y abierto.

Lo que esperamos que el público extranjero se lleve no es solo conocimiento, sino conexión. Si los oyentes sienten curiosidad en lugar de distancia, respeto en lugar de estereotipos y reconocimiento en lugar de exotismo, entonces la invitación habrá sido aceptada. Nuestro objetivo no es explicar Mongolia, sino permitir que su espíritu se sienta a través del sonido y la emoción.

De cara a la gira europea, ¿qué esperáis del público y qué tipo de conexión os gustaría crear con él?

Cuando tocamos en directo, no entendemos los conciertos como algo que sucede únicamente sobre el escenario. Son experiencias colectivas que existen entre la banda y el público. La energía fluye en ambas direcciones, y eso es lo que da a nuestros conciertos su intensidad física y emocional. De cara a la gira europea, no esperamos que el público comprenda nuestro idioma o nuestras tradiciones en detalle. Lo que esperamos es apertura: apertura al sonido, al ritmo y a la emoción. Cuando las personas se permiten estar presentes, la conexión surge de forma natural.

Esperamos que el público se mueva con nosotros, respire con nosotros y responda sin reservas. Momentos como cantar Uuhai juntos no son interacciones planeadas; surgen cuando se crea una confianza real entre el escenario y la audiencia. En esos instantes, todos pasan a formar parte de una misma experiencia, independientemente de su origen. La conexión que buscamos es sencilla, pero profunda. Queremos que la gente se sienta arraigada y llena de energía al mismo tiempo, que experimente fuerza sin agresividad y unidad sin uniformidad. Cuando el público devuelve esa energía, la actuación se convierte en algo compartido, más que en algo que se observa desde fuera.

En la gira europea, nuestro objetivo no es solo tocar canciones, sino crear momentos que la gente se lleve consigo al salir de la sala. Si el público se marcha sintiéndose más conectado entre sí, con la naturaleza y con algo que va más allá de uno mismo, entonces el intercambio ha sido real. Ese es el tipo de conexión que esperamos construir cada noche.

Muchas gracias por vuestro tiempo para esta entrevista. ¿Os gustaría decir algo a quienes descubren el universo de UUHAI por primera vez?

A todas las personas que nos han acompañado hasta ahora, gracias por recorrer este camino con nosotros. Vuestro apoyo, vuestra energía y vuestra apertura dan sentido a lo que hacemos. Cada voz en el público, cada momento compartido y cada conexión creada a través de la música pasan a formar parte de nuestra historia.

A quienes descubren UUHAI por primera vez, bienvenidos. Os invitamos a escuchar con el corazón abierto, más allá de las expectativas. No es necesario entender el idioma para sentir el espíritu. Nuestra música habla de conexión, responsabilidad y unidad. Nace de la tierra de la que venimos, pero está pensada para todos. Todos vivimos bajo el mismo cielo y pisamos la misma tierra. A través de la música podemos recordar que no estamos separados, incluso cuando procedemos de lugares distintos. Si nuestras canciones os ayudan a sentiros más cerca de la naturaleza, de vuestras propias raíces o de las personas que os rodean, entonces nuestro propósito se cumple.

Gracias por vuestra curiosidad y vuestro respeto. Esperamos encontrarnos en el camino, compartir energía y gritar Uuhai juntos. Hasta entonces, cuidaos unos a otros, cuidad de la tierra y permaneced fieles a quienes sois.

UUHAI is a Mongolian band that has successfully translated its cultural heritage into a contemporary and powerful musical language. In Human Herds, their debut album, UUHAI reflects on who we are and how we relate to nature. We spoke with UUHAI about identity, tradition, and how to turn music into a shared experience that transcends borders. We spoke with Ombo, UUHAI’s leader, producer, drummer, and composer.

Marta: UUHAI emerged following a very strong international response to your first releases. At what point did you feel the project stopped being an experiment and became a band with a clearly defined artistic and cultural discourse?

Ombo: At the beginning, UUHAI was driven by curiosity and instinct rather than a fixed plan. The early releases were an exploration of sound, identity, and how traditional Mongolian expression could live naturally within a modern rock and metal framework. We did not start by thinking in terms of strategy or international reach. We simply followed what felt honest.

The turning point came when we saw how people from very different cultures reacted to the music in a similar emotional way. When listeners who did not speak Mongolian or know our traditions began to feel the message, the energy, and the spirit behind the songs, we realized that this was no longer just an experiment. The music was communicating something real and consistent. At that moment, UUHAI became more than a project. It became a band with responsibility. We understood that what we were doing carried cultural meaning as well as artistic weight. Our sound, our language, and our themes were not just personal choices anymore. They were part of a wider conversation between tradition and the modern world.

From then on, our artistic direction became clearer. We committed fully to expressing Mongolian identity through our own voice, without imitation and without compromise, while still speaking openly to a global audience. That clarity shaped everything that followed, from songwriting and visuals to live performances and the way we present ourselves on international stages. So the shift happened naturally. It was not a single moment, but a growing awareness. UUHAI became defined when we realized that our music had found its purpose, and that purpose was being understood far beyond where it was born.

You are seven musicians with very specific roles. How do you creatively organize such a broad structure without losing cohesion or a shared identity?

Having seven musicians with very different roles might seem complex, but for us, cohesion comes from a shared intention rather than strict structure. From the beginning, we agreed that every instrument and every voice must serve the same message. No element exists to show technique or individuality alone. Everything exists to support the song and its emotional core.

Creatively, most compositions begin with a central idea or feeling. Sometimes it starts with a rhythm, sometimes with a melody from the morin khuur, sometimes with a vocal texture or a simple drum pattern. From there, each musician contributes in a way that strengthens that idea rather than competing with it. We listen carefully to each other and leave space when space is needed.

The rock foundation gives us stability. The drums, bass, and guitars provide a clear spine that holds everything together. On top of that, the traditional instruments and throat singing are woven in as equal voices, not as decoration. They are treated with the same importance as any rock instrument, which helps maintain balance and unity. Our shared identity also comes from cultural understanding. We all carry the same respect for Mongolian tradition, nature, and storytelling. Even when parts are complex or layered, they come from the same worldview. That shared background naturally guides our decisions and keeps the sound cohesive.

In the end, cohesion is not about control. It is about trust. We trust each other to serve the music, and because of that, a broad structure becomes a single voice rather than many separate ones.

Human Herds constantly creates a dialogue between Mongolia’s history and contemporary society. From what necessity does this intersection between past and present arise?

The intersection between past and present in Human Herds comes from necessity rather than concept. For us, history is not something distant or frozen in time. It lives in our language, our values, and the way we understand the world. At the same time, we are fully part of contemporary society, facing the same global pressures, changes, and contradictions as everyone else. This dialogue arises because the questions our ancestors faced are still relevant today. How should people live together. How should power be used. How do we protect the land that sustains us. Modern life often moves very fast, but the wisdom carried in history offers perspective and balance. Ignoring that connection would feel incomplete and dishonest.

Human Herds reflects the tension between rapid human movement and ancient understanding. We see a world that is more connected than ever, yet often disconnected from nature and from responsibility. By bringing the past into conversation with the present, we are not trying to romanticize history. We are using it as a mirror to examine who we are now. For us, tradition is not something to preserve behind glass. It is something to activate. When history and contemporary life meet in our music, it creates meaning. It reminds us that progress without memory can become destruction, and that identity without adaptation can become stagnant.

That necessity comes from living in between worlds. We stand with one foot in ancestral knowledge and the other in modern reality. Human Herds exists in that space because that is where our lives exist, and where we believe meaningful questions must be asked.

The album title, Human Herds, suggests a critical look at the human condition. What kind of reflection do you want to open up with this concept?

The title Human Herds is an invitation to reflect on who we are as humanity and how we move together through the world. It is not meant as an accusation, but as a mirror. We wanted to look at the human condition honestly, with both compassion and responsibility. The word herd points to our collective nature. Humans are social beings. We migrate, gather, follow, resist, and repeat patterns together. This can be powerful and beautiful, but it can also become dangerous when awareness is lost. History shows us that great creation and great destruction often happen when people move without reflection. That tension is at the heart of the album.

With this concept, we want listeners to ask themselves simple but important questions. Where are we going together. Are we moving with respect for the earth and for each other. Are we creating, or are we consuming without thinking about the consequences. Human Herds does not give answers. It opens space for awareness. At the same time, the title carries hope. A herd can protect its members. It can move in harmony. It can survive harsh conditions through unity. We believe humanity still has that choice. The album encourages people to slow down, to remember their connection to nature, and to act with care rather than impulse.

So Human Herds is a reflection on movement, responsibility, and choice. It asks us to recognize our shared path and to decide what kind of future we want to walk toward together.

And, The track “Human Herds” appeals to ancestors and to our relationship with nature. Tell me about the origin of this song and how that ecological and spiritual dimension is articulated throughout the album.

The song was born from a moment of reflection rather than from a musical idea. It began with the feeling that humanity is moving very fast, while forgetting the quiet voices that once guided us. In Mongolian culture, ancestors are not distant figures from the past. They represent accumulated experience, memory, and responsibility. Calling to them in the song is a way of asking for balance and awareness, not nostalgia.

The ecological dimension of the track comes naturally from that worldview. For nomadic cultures, nature is not a resource to be used. It is a living system that humans exist within. When the song speaks about Mother Earth, it is not symbolic poetry. It is a real relationship. The earth gives life, and in return, humans are expected to act with care and restraint.

Spiritually, the song connects breath, rhythm, and voice to this idea of belonging. The use of throat singing, layered vocals, and steady rhythmic movement is meant to feel grounded, almost ritual like. It mirrors the act of listening rather than speaking, of standing still long enough to understand where you are. That same ecological and spiritual awareness runs through the entire album. Some songs speak softly, others with urgency, but they all return to the same question of responsibility. Whether we are referencing history, myth, or modern life, the underlying message remains consistent. Humans are not separate from nature. We are part of it.

«Human Herds» sets the tone for the album by opening that space of reflection. It invites the listener to slow down, to remember the connection between past and present, and to reconsider how we move forward together, not only as individuals, but as one shared human herd.

“Uuhai” is an important song for us because it places an ancestral cry at the heart of the stage ritual. What does it mean to you to bring an ancestral cry of good fortune to European stages? At the same time, do you feel a special responsibility when representing such specific cultural elements outside Mongolia?

The word Uuhai carries deep meaning for us. It is an ancestral cry of strength, courage, and good fortune, used for centuries in moments of unity, celebration, and resolve. When we bring that shout onto European stages, it becomes more than a performance element. It becomes a shared moment between cultures.

Hearing thousands of people shout Uuhai back at us, even without knowing the language, is very powerful. It shows that emotion and intention can travel beyond words. In those moments, the shout stops being only Mongolian. It becomes a human expression of energy, unity, and release. That is something we value deeply. At the same time, we are very aware of the responsibility that comes with presenting cultural elements outside our homeland. These are not symbols we use lightly or for effect. They come from lived tradition and carry meaning that must be respected. Every time we perform Uuhai, we do so with gratitude and awareness of where it comes from. We see our role not as owners of these traditions, but as messengers. Our task is to bring them into new spaces honestly, without distortion, and without losing their spirit. That means staying grounded, listening to our roots, and making sure the music remains sincere rather than decorative.

Bringing Uuhai to European stages is both a joy and a responsibility. It reminds us that cultural exchange works best when it is based on respect, openness, and care. When that balance is present, an ancient cry can find new life and new meaning without losing its soul.

Throughout the album you alternate intimate passages with moments clearly designed for live performance. How do you find the balance between the ritualistic and the performative?

For us, the ritualistic and the performative are not opposites. They come from the same source. In traditional Mongolian culture, music was never separated into private or public categories. A ritual, a gathering, or a celebration all carried performance, and every performance carried intention.

When we write music, we start from feeling rather than from stage planning. Some passages naturally become intimate, quiet, and inward. Others rise with energy and movement. We do not force that contrast. We allow the song to decide what it needs. The balance comes from listening carefully to the emotion of each piece. The ritualistic side is rooted in repetition, breath, and grounding. Throat singing, chants, and steady rhythms create a sense of focus and presence. These elements invite the listener inward, even in a large crowd. The performative side grows from release. Strong rhythms, powerful riffs, and collective chants allow energy to move outward and be shared. On stage, these two sides support each other. Intimate moments give meaning to the explosive ones. Without stillness, power becomes noise. Without energy, reflection becomes distance. We design our live sets so the audience can move between these states naturally.

In the end, the balance is found through honesty. If the intention is true, ritual and performance do not compete. They merge. What happens on stage becomes a living experience rather than a show, and that is where we believe the strongest connection is created.

“Secret History of the Mongols” takes its name from the oldest literary text in the Mongolian language. Why did you decide to close the album by looking so far back in time?

We chose to close the album with «Secret History of the Mongols» because looking back is sometimes the clearest way to look forward. That text is not only the oldest written work in the Mongolian language, it is also a foundation of thought, values, and identity that still shapes how we understand responsibility, unity, and leadership today. Human Herds begins by questioning where humanity is going and what we are doing to the earth. Closing with «Secret History of the Mongols» brings the listener back to a moment when survival depended on balance, respect, and collective awareness. It reminds us that the challenges we face today are not entirely new. Our ancestors faced hardship, conflict, and uncertainty as well, and they left behind wisdom on how to move forward together.

Musically and emotionally, the final track feels like a gathering point. It carries strength, reflection, and a sense of continuity. By ending with this song, we wanted to suggest that the past is not something behind us. It is something we carry with us. The future becomes clearer when we remember where we come from. Closing the album by looking so far back in time was our way of grounding everything that came before it. After exploring modern movement, chaos, responsibility, and unity, we return to the root. That root reminds us that humanity has always searched for meaning, balance, and direction. The album ends there because that is where understanding begins.

When working with this 13th-century historical reference, what parallels do you find between Mongolia at that time and the world we inhabit today?

When we look at the world described in «The Secret History of the Mongols», we do not see a distant or irrelevant past. We see a society living through intense change, uncertainty, and movement. That is where the strongest parallels with today appear.

In the thirteenth century, Mongolia existed in a world of constant transformation. Tribes were forming and breaking apart, people were migrating, and leadership was being tested under extreme conditions. Survival depended on unity, clear values, and a deep understanding of responsibility toward the land and the community. Those pressures feel very familiar today, even if the context is different. Our modern world is also in constant motion. Borders shift, societies change rapidly, and technology accelerates human behavior faster than our ability to reflect. Just like in the past, humanity faces questions about power, leadership, and how collective movement can either create stability or destruction. The scale has changed, but the human condition has not.

Another important parallel is the relationship with nature. In the thirteenth century, life depended directly on the land, the seasons, and balance with the environment. Today, we are more disconnected from nature, yet more dependent on it than ever. The consequences of ignoring that balance are now global. That makes the wisdom found in ancient thinking especially relevant. By working with this historical reference, we are not suggesting that the past was perfect. We are suggesting that it carries lessons. The world we inhabit today is facing its own version of chaos and choice. Looking back helps us recognize patterns and reminds us that awareness, unity, and responsibility are not modern inventions. They are timeless necessities.

That is why the dialogue between past and present matters to us. It shows that humanity has always stood at crossroads. The question is not whether history repeats itself, but whether we choose to learn from it.

Your proposal has been described as “an invitation to the heart of Mongolia.” What would you like foreign audiences to truly understand about your culture, and which preconceived ideas would you like to dismantle?

If our music is an invitation to the heart of Mongolia, then what we hope people understand is that our culture is alive, thoughtful, and constantly evolving. Mongolia is not only a place of history or legend. It is a living society with depth, creativity, and modern awareness, rooted in tradition but not trapped in the past.

One of the most common preconceived ideas is that Mongolian culture exists only in an ancient or exotic form. While our traditions are old, they are not frozen. They continue to guide daily life, values, and artistic expression in the present. Our music reflects that continuity. It carries ancestral memory while speaking to contemporary concerns such as environmental responsibility, unity, and identity. We would also like to dismantle the idea that Mongolian culture is distant or difficult to relate to. At its core, it speaks about universal human experiences. Respect for nature, community, responsibility, resilience, and balance are values shared by people everywhere. The language and sounds may be unfamiliar, but the emotions are not.

Another misunderstanding is that tradition and modernity cannot coexist. Through our music, we show that they can strengthen each other. Traditional instruments and vocal techniques do not limit expression. They expand it. When combined with modern rock and metal, they create a new language that is both rooted and open. What we hope foreign audiences take away is not just knowledge, but connection. If listeners feel curiosity rather than distance, respect rather than stereotypes, and recognition rather than exoticism, then the invitation has been accepted. Our goal is not to explain Mongolia, but to let people feel its spirit through sound and emotion.

Live, your concerts are defined as physical and collective experiences. Looking ahead to the European tour, what do you expect from the audience, and what kind of connection are you hoping to create with them?

When we perform live, we do not see concerts as something that happens only on stage. They are collective experiences that exist between the band and the audience. The energy moves in both directions. That is what gives our shows their physical and emotional intensity.

Looking ahead to the European tour, we do not expect the audience to understand our language or our traditions in detail. What we hope for is openness. Openness to sound, to rhythm, and to feeling. When people allow themselves to be present, the connection happens naturally. We hope the audience will move with us, breathe with us, and respond without hesitation. Moments like chanting Uuhai together are not planned interactions. They happen when trust forms between the stage and the crowd. In those moments, everyone becomes part of the same experience, regardless of background.

The connection we are hoping to create is simple but deep. We want people to feel grounded and energized at the same time. To feel strength without aggression and unity without uniformity. When the crowd gives that energy back, the performance becomes something shared rather than something observed. On the European tour, our goal is not just to play songs. It is to create moments people carry with them after they leave the venue. If the audience leaves feeling connected to each other, to nature, and to something beyond themselves, then the exchange has been real. That is the kind of connection we hope to build every night.

Thank you very much for your time for this interview. Would you like to say something to those who are discovering the universe of UUHAI for the first time?

To everyone who has followed our journey so far, thank you for walking this path with us. Your support, your energy, and your openness give meaning to what we do. Every voice in the crowd, every shared moment, and every connection made through music becomes part of our story. To those who are discovering UUHAI for the first time, welcome. We invite you to listen with an open heart rather than expectations. You do not need to understand the language to feel the spirit. Our music is about connection, responsibility, and unity. It speaks from the land we come from, but it is meant for everyone.

We all live under the same sky and stand on the same earth. Through music, we can remember that we are not separate, even when we come from different places. If our songs help you feel closer to nature, to your own roots, or to the people around you, then our purpose is fulfilled.

Thank you for your curiosity and respect. We hope to meet you on the road, share energy, and shout Uuhai together. Until then, take care of each other, take care of the earth, and stay true to who you are.