Festival: Lion Rock Fest
Bandas: Dare, Fighter V, Kee Marcello, Lost Wingman, Michael Schenker Group, Midnite City, Girish And The Chronicles
Lugar: Palacio de Congresos de León – 7 de noviembre de 2026
Texto: Luci Louro
Fotos: Gabriel Hernando
El frenesí previo a una cita, máxime cuando ya tiene tintes familiares, siempre provoca revuelo; no es de extrañar que, además, nuestro sentido arácnido se agudice y que nos lleguen más comentarios de los habituales acerca de lo que está por acontecer, o no…
Nuevamente entradas que se venden a última hora, cancelaciones y reposiciones, horarios y sus razones y contradicciones para el que desconoce el negocio, repertorios y dictados, informaciones desde fuera y hacia dentro, más que al revés… El organismo del león más vivo que nunca, pero, ¿tan saludable cómo se le presupone a una cuarta edición? Ahora lo veremos.
Tras una cómoda apertura de puertas, la espera para ver a Dare se hizo tranquila. La verdad es que sorprendía la escasez de puntualidad por parte del respetable, que hacía que el reflejo del escenario palideciera. Tan solo fue momentáneo, ya que, aunque sí que se tuvo, en general, la sensación de menor afluencia, esta fue notable a pesar de todo.
Los de Darren Warthon partieron con un gran sonido (a pesar de que los Gremlins del sonido persistieron, con mayor o menor medida, en los dos conocidos escenarios enfrentados) abanderando la elegancia de sus composiciones y dotación musical. El gran “pero” de un espectáculo que se ganó a los incondicionales, fue la elección del orden del setlist. Con un resumen continuado a sus más recientes lanzamientos de evocación céltica y roquera melódica que hipnotizan por separado (“Born In The Storm”, “Cradle To The Grave”, “Home”, “Until”, “Road To Eden”) pero que en conjunto y para abrir un festival, resultó un demasiado onírica y poco enérgica aunque rescatara la belleza de “Sea Of Roses” (Beneath The Shining Water – 2004). Cuando mejoró el pulso, se tambaleó la fuerza, y es que con la incursión de dos truenos como son «We Don’t Need A Reason» o «Wings Of Steel» del imprescindible Blood From Stone (1991), se palpó la incapacidad de la banda para reproducir un disco muy cotizado y que necesita de más poderío como para no dejar expuesta exclusivamente su valía a merced de los más apasionados, entre los que me incluyo, con nuestros coros desafinados a máxima capacidad y a volumen que se resiente en nuestro tono habitual días después. En la balanza de la honestidad, se midió nuestra incondicionalidad frente a la capacidad en la actualidad de unos Dare con 35 años más. Resultado, injusticia para dos canciones atemporales. En la recta final de su actuación, se rindió tributo a su obra maestra, uno de los pilares de la música melódica, Out Of The Silence (1988). Aquí sí vimos a la mejor versión de Dare, con el siempre emocionante Vinny Burns tensando sus cuerdas, enmarcados en el himno «Abandon» y hurgando en la herida con los soberanos «Into The Fire», «The Raindance» o «King of Spades», interrumpidas por la preciosa “Everytime We Say Goodbye” (Sacred Ground – 2019). Nunca es tarde si la dicha es buena, pero los retrasos también impacientan y alteran el sentimiento definitivo, lo que, siendo profesional más allá del acérrimo, también se ha de reconocer.
Comenzó también el peregrinaje a modo de partido de tenis de stage to stage, y como siempre y por cuarta vez consecutiva, con un sonido indeseable para el que va tras el principal. Atiendo a que ya solo se explica esto para extender un cartel que rinda cuentas con el mayor rédito que puedan dejar las barras junto al ahorro de material técnico, porque si no es incomprensible. ¿Cómo se puede mostrar tanta falta de interés por equiparar a las mismas bandas que la propia organización dice que busca para marcar la diferencia y dar su oportunidad en nuestro país? Sinceramente, me costaría creer que sea por motivos económicos vista la gama de patrocinadores que se anuncian en sus lonas y carteles, tanto por los cachés de las bandas ofrecidas…
Tras esta reflexión tomada de la boca de muchas y muchos asistentes y que yo verbalizo en honor a la verdad, tenía una gran excitación por ver a Fighter V, la banda suiza que me enamoró totalmente tras la entrada de Emmo Acar y su segundo disco Heart Of The Young (2024), a pesar de que su primera referencia en 2019 también fuera de mi agrado sin dobleces. Lo que allí me encontré, ya de entrada, fue la falta de respeto a un país que los acoge por primera vez, nuevamente matizo mis palabras para las pieles sensibles: si tu sonido se apoya fundamentalmente en teclados, ¿por qué no llevas a un teclista, ganas menos dinero pero al menos suenas real y profesional? Si a eso le sumamos las salidas tonales del cantante en sus propias canciones, al que valoro en disco con las más altas notas, tras demostrar continuamente su potente chorro de voz en partes innecesarias y su poco acierto en las notas más nobles, y todo un refuerzo coral nuevamente pregrabado, pues con todo el dolor de mi corazón solo puedo decir que no son las formas de aterrizar. Imitar con reiteración a David Coverdale tampoco ayudó mucho. Si encima juegas en desventaja sobre un cenizo escenario, ni cortes tan magníficos como “Speed Demon”, “Deja Vu”, “Heart of the Young” o “There´s No Limit (Speed Limit)” van a conseguir absolver una actuación a la que se le puso empeño a la vieja usanza, pero dependiendo de muchos elementos de la nueva vanguardia. Quizás a la próxima…
No voy a mentir con las comparaciones que son siempre odiosas, pero tenía ganas de ver a Kee Marcello tras ver a los Europe originales no hace ni un mes. Esta banda tributo, y siento mucho tener que llamarla así, luego os narraré el porqué, se quedó, a pesar de su nivel y del repertorio que tocaron en eso, una banda para amenizar. Alguna que otra vez por sorprender gracias a los temas elegidos: “Break Free”, como ejemplo, por primera vez escuchada en un directo para una servidora (cara B del single “I´ll Cry For You” y tema extra de la edición japonesa de “Prisioners In Paradise”); muchas veces por ser indulgente anteponiendo el baile al que éramos incitados y por saciar al fan interior con colosales sentimientos que dejaban tras de sí las sensacionales composiciones que rubricó junto a Tempest y los suyos en Out Of This World (1988) y Prisioners In Paradise (1991), por encima del afán periodístico. “More Than Meets the Eye”, “Ready or Not”, “Sign Of The Times”, “Girl From Lebanon” o “Halfway to Heaven” y “Seventh Sing”…
Otras veces, por no atender al cotejo con los shows de sus ex compañeros presentando Come This Madness e incluyendo también en sus listados las orfebres “Supertitious” o “Prisioners In Paradise” que resultan emocionantes en los actuales zapatos de los cuatro quintos de aquel momento. Fallos técnicos también hubo, de la bola de sonido de los graves no se escapaba nadie, pero también los cometía el guitarrista por cuenta propia al querer digitar con demasiada velocidad, pero eso era lo de menos, se le aprecia y por eso también hubiese estado bien interpretar alguno de sus esfuerzos propios que son realmente dignos, pero no sucedió; lo que sí aconteció es que tomara la voz solista y… ya no es el que era. La formación que lo acompañaba no era del todo desconocida: Michele Luppi estuvo sensacional a la voz, preciso y sobrado, pero le falta el feeling de Joey para bordar estas canciones que tienen un código propio, lo que no fue óbice, a pesar de tener que leer tramos líricos que cualquier seguidor hubiera entonado a pies juntillas y a ojos ciegas, para levantarnos en volandas. Al bajo Ken Sandlin de Alien también muy efectivo y bienhumorado para que el resto de partícipes resultaran certeros. La verdad es que iba a encaminada a celebrar este concierto con grandilocuentes palabras, pero cerrar, a modo de bis con “The Final Countdown”, que ni siquiera le corresponde, me pareció una mamarrachada de “ojo cuidao”. Mira que había temas que se podrían haber ofrecido, “Talk To Me”, “Towers Calling” o yo que sé, ¡“Got Your Mind On The Gutter”!, pero no, es mejor tratar al vulgo como tal, a pesar de haber saboreado, en su día, cualquier otro tema de los expuestos como auténticos degustadores delicatessen. Error imperdonable excepto para los más verbeneros, bajada de nota asegurada, típico de banda… ¡yes! Tributo.
Como corderos al matadero nos dirigimos al fatídico escenario para ver a los nacionales Lost Wingman. Los madrileños poseen un quintal vertebrado y musculado que es su excelente vocalista Chema Sales, quien además resulta ser un gran director de orquesta y divertido camarada. El repaso que dieron a sus dos discos de estudio me pareció bastante equilibrado, y pese a tener que librar su personal batalla con los avatares tecnológicos, ellos salieron bastante airosos. Su música no induce a errores, puro hard rock de la etapa dorada y de los nombres más importantes, pero con especial predilección por Bon Jovi. Otro tanto a favor es que acompañando al guitarrista Daniel Pereira, al bajista Daniel Fernández y al batería Javier Martín, se encontraba como músico contratado el teclista Pavel Mora. Toda una lección de profesionalidad que ya debieran aprender muchos grupos que alardean en disco y que en directo, o bien se acercan como marca blanca, o bien tiran de enlatados en vez de producto fresco. Alta gama que espero que se vea más acompañando a bandas a su altura, sobre todo internacionales, porque ellos tienen el visado en regla para surcar los mares o atravesar las nubes. Me quito el sombrero.
El reclamo principal del día, en teoría, venía de la mano de uno de los tándems más venerados de Europa en el terreno del hard rock más armónico: Michael Schencker y Robin McAuley. Empieza la odisea; que si el anuncio lo dejaba claro, esta es la gira de Michael Schenker Group presentando Don´t Sell Your Soul, su último disco, featuring Robin McAuley quien solo canta en dos canciones de este y que para colmo no se ejecutaron sobre el escenario. Raro, ¿no? Bueno, al menos para el más iluso todavía se albergaba la fe de que cayera alguna de sus canciones juntos a finales de los ochenta, aunque se hubiese comentado por activa y por pasiva en diferentes redes y por avezados del asunto que no iba a ser así, atendiendo a listados de canciones de los que sobrevuelan la red, pero evidentemente no se aclaró desde donde se tenía que pronunciar, desde la organización. Ya se sabe, a río revuelto, ganancia segura… pero también decepción máxima.
Junto con Robin y su voz magnífica, el alemán se rodeó de Alessandro Del Vecchio sorprendiendo a los coros, a las guitarras y con sus teclados, necesarios y necesitados, dando la sensación de pasar su mejor momento profesional. Junto a este trio de ases el bajista Barend Courbois (Vengeance, Blind Guardian, Bert Heerink) y el abominable batería tras el biombo trasparente, para no molestar al astro de la guitarra, Bodo Schopf (Eloy, The Sweet). Una formación que gozó de uno de los mejores sonidos de la jornada, pero tampoco todo fue inmaculado. A lo que allí se urgió fue “café para muy cafeteros”, que por mi encantado, ya que ciertas de aquellas piezas, la gran mayoría, salieron de la chistera de U.F.O. (¿cómo no cerrar con “Doctor, Doctor”?), o de la etapa “clásica” de M.S.G., que siguen sonando celestiales. Incluso las instrumentales necesarias (“Captain Nemo”, “Into The Arena”) tanto para entender su impacto en el mundo de las seis cuerdas, como para dar descanso a la voz de Robin, quien tuvo que meterse en el papel de nada menos que Ronnie Romero con “Sail The Darkness” (Immortal – 2021). “On And On” o “Cry For The Nations” (The Michael Schenker Group – 1980), “Attack Of The Mad Axeman” (MSG – 1981, o “Armed And Ready”, “Red Sky” (Built To Destroy – 1983) para la gente más joven y despreocupada, así también como para algún fan de la época, instruían pero no divertían, y la comunidad quería desparpajo. Lo entiendo, es lo que se ha vendido año tras año con los carteles predecesores, pero personalmente a mí no me sedujo, pero elevó por encima de los debates la voluntad de mi compañero LuX.
No tenía todas conmigo cuando iba a ver a los británicos Midnite City, y mucho menos sabiendo que el escenario secundario iba a hacer todo lo posible por desmontar su fábrica de chicle de fresa y envoltorio de cuero. Efectivamente, tuvieron que luchar contra un sonido pésimo y aun así, para una no tan seguidora de ellos, quedé prendada de su amaneramiento glammie y de sus melodías de gancho asegurado, tributando a unos Danger Danger a los que poca gente ha podido acercarse. Imagen cuidada, coros reales soportados principalmente por su bajista Josh “Tabbie” Williams y por el teclista (fundamental) Shawn Charvette, quienes le sientan como anillo al dedo a Rob Wylde para que se pasee chulescamente por el escenario y para que cante tal y como en disco suena, no todos pueden hacerlo. Ryan Briggs a los tambores sostiene perfectamente y da bastante cancha (ojalá no le hubieran dejado desde mesa más tirado que a una colilla), pero el que me pareció enorme en el shredding, como bien dijo su frontman, fue el guitarrista Miles Meakin, más chulo que CC DeVille y con una pulcritud muy a ¿la?, ¡sí!, a la Andy Timmons. Las tablas se les notan, y aunque en nuestro deficitario inglés nacional no consiguiéramos atender a Rob como merecía, se dio por satisfecho solo por ver que aún mantenían gente suficiente en una de las horas más bajas del festival. El cansancio y el insoportable calor de una calefacción innecesaria asando nuestros sesos bien regados en sudor durante toda la jornada, habían hecho mella. Pero ellos tienen las canciones también y no todo estaba perdido, pusieron toda la carne en el asador con la novedosa “Heaven in this Hell” (Bite The Bullet – 2025) que ya se ha convertido en todo un himno, “Hardest Heart To Break” (In At The Deep End – 2023), “They Only Come Out at Night” (Itch You Can´t Scratch – 2021) y “Give Me Love” o “We Belong” de su debut de 2017, se metieron a los asistentes y asistentas en el bolsillo. Un par de horas antes y en el otro escenario, hubieran rivalizado hasta con los más grandes de ediciones anteriores.
Y como última bala en la recámara, llamados no por voluntad propia pese a que su profesionalidad permita colgarse medallas, sino porque el impresentable de Alex Strandell decidió darle la espalda una vez más a nuestro país, los indios Girish And The Chronicles salieron al rescate. Me encantó que lo hicieran a su manera, con garra. Asiduos a nuestro país, si no los has visto ya es de hacértelo mirar, pero tampoco como se mostraron en esta ocasión es como los hubieras visto, eso también es cierto. Cuando repites una banda unas cuantas veces en los últimos años, tampoco lo consideras un plato tan fuerte como para comparar hazañas del escenario principal ya acontecidas, pero alabé que salieran sin más preceptos que hacer valer su retorno más agresivo y que tan bien les sienta a sus personalidades individuales. Y sí, han decidido evolucionar y sumarse al frente impopular de guitarras más pesadas, armonías metálicas y voces menos predecibles, pero lo han hecho porque en su categoría ya habían dicho todo lo que tenían que decir sin bajarse los pantalones. Yo creo en su nuevo disco y ellos también, eso me gusta porque no parasitan la escena y, bravos, salen a abrir con nada menos que cinco temas de su próximo nuevo disco y con la versión de Adele, “Set Fire To The Rain” (¡vaya monstruo se os avecina! Yo ya le he catado y estoy alucinando). “Generation Coward”, “Fading Away”, “A New Spark”, “Disintigrate” y “Mindhole” van a destrozar tu sistema nervioso, y más si buscas hard rock de bandera americana de los años ochenta…
Tampoco hicieron huelga las complicaciones de sonido, y la gente desfilaba con mayor presteza que en otras ocasiones por bastantes factores, entre ellos el descuadre de aptitudes procedentes de la India y que estaba lejos de a lo que a muchos y muchas les remueve el corazón. Ellos se emplearon a fondo en sus dotaciones técnicas sin abrumar como en otras ocasiones y en completo detrimento de movimiento. Ese es su error, todavía las grandes superficies se les quedan enormes, pero, reitero, ahora más que nunca tienen una oportunidad, al menos para mí.
Los comentarios de la gente nos los guardamos; el “buenismo” de la prensa que nunca será seria y que siempre sacará tajada, nunca hará estas anotaciones, pero aquí prima el rigor tanto para la asistencia como para la organización, eso es lo que he aprendido en esta marca. Que cada cual mida sus éxitos como quiera, pero al menos, que no se confunda a los cada vez más escasos amantes de estas expresiones, porque llegará un día, ojalá me equivoque, en el que el melódico y derivados ya no solo no será rentable, sino que será residual y evidenciará los porqués.
Vamos a por el quinto con esperanza, es lo último que se pierde…
