Pendragon a Barcelona: Dotze anys esperant a que tornés la llum

Bandes: Pendragon
Lloc: Apolo 2 (Barcelona) – 3 de novembre de 2026
Text: Òscar Saro
Fotos: Quico Gras

Dotze anys després de la seva última visita a Barcelona, Pendragon tornaven a il·luminar els escenaris de la ciutat amb una nit carregada d’emocions. Nick Barrett i els seus van convertir una Apolo 2 plena de gom a gom en un univers de melodies, paisatges sonors i guitarres capaces de transformar la melancolia en llum. Un retrobament llargament esperat que ens va recordar per què la seva música continua sent tan especial.

“Everything is green and everything is blue”

Tot és verd i tot és blau. Amb aquestes paraules dins la cançó “360 Degrees”, Nick Barrett dibuixa el paisatge de Cornualla, a l’extrem sud-oest d’Anglaterra, un indret que, segons ell mateix ens explicava durant el concert, és d’una bellesa extraordinària. Escoltant la cançó, no costa gens imaginar-s’ho. Perquè hi ha indrets que semblen tenir una llum especial. Llocs on el verd dels camps es fon amb el blau de l’oceà i on l’horitzó sembla estendre’s en totes direccions. Una lluminositat que, curiosament, penso que encaixa perfectament amb la música de Pendragon, la banda que el músic britànic va crear fa gairebé cinquanta anys i que n’ha trigat dotze en tornar a visitar Barcelona.

Pendragon està considerada una de les bandes que van donar nom al gènere del rock neo-progressiu i, curiosament, molts dels grups d’aquella primera fornada dels anys vuitanta que va fer renàixer el gènere van ser d’origen britànic:

És encertat, per tant, afirmar que el neoprogressiu va néixer en un país sovint associat als cels grisos, la pluja i la melancolia, però que algunes de les seves bandes han creat una música extraordinàriament lluminosa, com és el cas de Pendragon. La banda que ocupa la nostra mirada.

Com bé sabem els que vam patir les anteriors cancel·lacions dels seus concerts, i tal com el mateix Barrett ens va recordar entre cançó i cançó, la pandèmia va ser la principal culpable que haguessin de passar tants anys abans de poder tornar a gaudir d’una banda tan especial. Potser per això, el passat 3 de novembre, la sala Apolo 2 de Barcelona presentava un ple tan impressionant com incòmode. I no precisament per la música, sinó perquè és una sala que no acaba de funcionar quan s’omple de gom a gom. La disposició de la barra, al meu entendre, contribueix a concentrar bona part del públic en un espai massa reduït.

Però res d’això va impedir que el concert fos un autèntic regal per als sentits. Una d’aquelles vetllades que compensen amb escreix els anys d’espera i que ens obliguen, una vegada més, a expressar el nostre agraïment més sincer a Neverland Concerts, un promotor que continua fent possible que bandes com Pendragon arribin als nostres escenaris.

Puntuals sobre l’hora prevista, Pendragon va aparèixer a l’escenari davant d’una audiència amb ganes acumulades Els primers compassos d’”Indigo” van servir per acabar d’ajustar el so, perquè inicialment va costar escoltar alguns detalls. Una obertura de les que demanen deixar-se portar, amb els teclats dibuixant atmosferes i la guitarra de Barrett desplegant els primers solos de la nit

El cantant va usar el català per saludar-nos amb un  “Bona nit, Barcelona! Com esteu?” i va passar a la seva llengua per recordar-nos que feia dotze anys que no visitaven la ciutat. Amb “Eternal Light”, de Love Over Fear (2020), ja començava a obrir-se pas la llum i Barrett ancorava una celleta en el seu màstil per construir una primera part delicada, plena d’arpegis i melodies que semblaven flotar per damunt dels teclats. Però, com acostuma a passar amb aquesta banda, la calma només era una de les cares de la composició. Quan el ritme va començar a créixer, també ho va fer la resposta del públic, que s’hi va afegir amb les primeres palmes de la nit. Entremig, un parell de breus aparicions de l’slide aportaven encara més expressivitat a la interpretació.

Barrett va aprofitar la pausa següent per disculpar-se per les anteriors cancel·lacions i confessar-nos que ens havia trobat a faltar. Així va introduir “North Star, Part III: Phoenician Skies”, que ens va regalar un altre dels moments especialment bonics de la primera part del concert. Guitarra acústica i les dues coristes trobant ja un espai ideal per mostrar tot el seu potencial. Les seves veus empastaven amb la veu principal amb una delicadesa extraordinària, enriquint les melodies d’una manera bonica. En un dels passatges, una d’elles mantenia la línia vocal mentre l’altra agafava el violí, aportant una nova textura a la composició. L’acústica va ser substituïda per la Les Paul per regalar-nos un altre solo ple de sentiment, mentre els teclats construïen un paisatge sonor de múltiples capes.

Entre cançons, el guitarrista continuava exercint d’amfitrió, recordant la primera vegada que havien tocat a Barcelona, a la mítica Zeleste, i deixant anar alguna broma, reconeixent entre el públic a a Manuel, el popular personatge de Fawlty Towers.

Descrivint Cornualla com un indret d’una bellesa extraordinària, va introduir “360 Degrees”, una cançó que sembla transportar-nos directament a aquells paisatges verds i oberts a l’oceà. La mandolina posava les primeres notes, aviat acompanyada pel violí, en una combinació que impregnava la composició d’un encantador aire folk. La peça anava creixent progressivament, incorporant tota la banda fins a desembocar en un nou moment de comunió amb el públic, que tornava a seguir el ritme amb les palmes. Després, com si el sol s’anés amagant lentament darrere l’horitzó, la música perdia intensitat fins a recuperar el diàleg inicial entre mandolina i violí, tancant-se amb un deliciós decrescendo. Un d’aquells moments en què Pendragon aconsegueixen fer-nos viatjar sense moure’ns del lloc.

Però la llum també pot tenir una dimensió més íntima i melancòlica. Barrett ens explicava que, quatre setmanes abans, havia perdut un amic, i li dedicava “Starfish and the Moon”. La veu i el teclat prenien el protagonisme en un inici d’una sensibilitat extraordinària, abans de donar pas a un solo de guitarra suau i profundament emotiu. Amb una formació reduïda sobre l’escenari, i el baixista assumint també funcions als teclats, la cançó es convertia en un petit refugi de recolliment.

El viatge pel repertori ens portava aleshores fins als orígens de la banda amb “Alaska”, una peça del seu primer àlbum, The Jewel (1985). Barrett ens recordava que ja la tocaven en aquells primers temps i dubtava si havia format part del repertori en aquella primera cita del 1991. El segon guitarrista apareixia amb una espectacular guitarra de doble màstil, mentre la composició començava a desenvolupar una atmosfera inequívocament progressiva. Una introducció pausada, plena de misteri, que acabaria desembocant en una acceleració del ritme i un solo de guitarra explosiu. Aquí aflorava una altra de les virtuts de Pendragon: la capacitat de passar de la delicadesa a la contundència sense que res sembli forçat.

El cantant també ens recordava que el 2028 la banda celebrarà cinquanta anys d’existència. Mig segle de música que esperem celebrar amb una nova visita.

Amb “Kowtow” recuperàvem el vessant més enèrgitic. Els teclats prenien la iniciativa amb una entrada contundent, acompanyats per una guitarra que no trigava a elevar la intensitat. El públic tornava a participar picant de mans fins i tot abans de l’entrada de la veu. Les coristes, cada vegada més integrades en l’espectacle, tornaven a tenir un paper destacat en una composició que alternava els passatges vigorosos amb moments de calma. En una de les seves crescudes finals, una de les veus femenines guanyava protagonisme, afegint una nova dimensió a la melodia.

Arribava aleshores un canvi de plantejament. Barrett es canviava de roba, agafava una guitarra acústica i s’asseia per iniciar un tram més íntim del concert, acompanyat inicialment només pel segon guitarrista i els teclats. Era el moment de baixar les revolucions i deixar que les cançons respiressin en format acústic.

“The Black Knight” va començar sota una il·luminació verda i intima. Els arpegis, molt marcats, dibuixaven una composició que, malgrat la seva aparença senzilla, amagava una gran quantitat de matisos. La interpretació acústica permetia descobrir altres detalls de la peça, regalant-nos una versió preciosa, plena de sensibilitat.

Per a “The Edge of the World” s’incorporaven també el baixista i les coristes, aportant una sonoritat encara més càlida i coral. Les veus es combinaven amb les guitarres acústiques per construir un ambient d’arrels folk que encaixava meravellosament amb el caràcter de la vetllada. Era com si, després d’haver travessat paisatges immensos amb les grans composicions progressives, ara ens convidessin a seure al costat del foc per escoltar les mateixes històries explicades amb una veu més propera.

Amb “Breaking the Spell”, Barrett recuperava la seva característica Woody Strat, disposat a oferir-nos un dels grans moments guitarrístics del concert. La composició es convertia en l’excusa perfecta per desplegar un solo llarguíssim, gairebé una conversa contínua entre la guitarra i la resta d’instruments. La influència de David Gilmour es feia especialment evident, no tant per una qüestió de tècnica com per aquella manera de deixar respirar les notes i d’allargar-les per posar-nos la pell de gallina. La bateria, que començava amb maces en un acompanyament delicat, anava incrementant progressivament la intensitat fins a convertir-se en un element fonamental del creixement de la peça.

I si encara ens quedava alguna emoció per descobrir, “Afraid of Everything” s’encarregaria de trobar-la. Una cançó senzillament preciosa, d’aquelles que semblen abraçar-te des dels primers compassos i que creixen fins a convertir-se en una autèntica celebració de la melodia. En el desenllaç, la bateria adquiria un protagonisme especial, amb una interpretació poderosa que culminava una de les peces més emotives de la nit.

La banda s’acomiadava entre aplaudiments, però tots sabíem que encara no havíem arribat al final del viatge. Faltava una cançó. I no una qualsevol.

Jaqueta de rombes per a un final monumental. «Masters of Illusion», tretze minuts de música que reuneixen tots els ingredients que converteixen una composició en un clàssic del rock progressiu. Temps perquè la bateria exhibeixi múscul, els teclats enlluernin, les coristes tornin a reivindicar el seu protagonisme i la guitarra ens regali un últim solo marca de la casa, abans d’un esclat de bateria que desemboca en un final a dalt de tot. Una cloenda a l’altura d’un concert espectacular que, potser, hem hagut d’esperar massa temps per tornar a viure.

Un concert extraordinari en què pràcticament tots els músics van tenir un paper rellevant en l’objectiu compartit de transportar-nos a mons plens de llum. Clive Nolan, també conegut per la seva trajectòria amb Arena, és, sens dubte, un dels grans pilars del so tan expressiu de la banda. Els seus teclats van desplegar, al llarg de gairebé totes les composicions, un ventall inesgotable de textures, colors i matisos. El baix de Peter Gee, membre original de la formació, va mantenir una presència constant, aportant una calidesa i una profunditat molt especials. Jan-Vincent Velazco, incorporat a l’aventura el 2015, va demostrar ser un bateria d’una gran solvència tècnica, capaç d’alternar els passatges més delicats amb moments d’autèntica contundència. Sally Minnear i Johanna Stroud van anar molt més enllà del paper de simples coristes i, en diversos passatges, van adquirir un protagonisme tan merescut com enriquidor. La segona, a més, va aportar el to folk del seu violí. Rog Patterson, amb un paper més discret, es va encarregar d’arrodonir les composicions amb la seva guitarra de dotze cordes.

I què podem dir de Nick Barrett? Ànima principal del projecte, jovial, comunicatiu i amb aquella naturalitat que el fa tan proper, va cantar amb la força i la personalitat que el caracteritzen, mentre alternava guitarres i mandolina per construir tota mena de paisatges sonors. Des dels seus arpegis inconfusibles fins a aquells solos tan personals, en què cada nota sembla escollida per despertar una emoció. Una guitarra suau en les formes, però profunda, penetrant i carregada d’una sensibilitat extraordinària.

Potser aquesta és, al capdavall, la gran virtut de Pendragon. La seva capacitat col·lectiva de fer-nos desaparèixer el món que tenim davant dels ulls i substituir-lo, durant una estona, per un altre de més bonic. Un món on les melodies tenen colors, les guitarres i els teclats dibuixen horitzons i fins i tot la melancolia acaba trobant una escletxa per on deixar entrar la llum.

Dotze anys són massa temps per esperar un regal com aquest. Tant de bo només hàgim d’esperar dos anys més per tornar-los a veure i celebrar una història lluminosa de cinquanta anys.

Pendragon en Barcelona: Doce años esperando a que volviera la luz

Bandas: Pendragon
Lugar: Apolo 2 (Barcelona) – 3 de novembre de 2026
Texto: Òscar Saro
Fotos: Quico Gras

Doce años después de su última visita a Barcelona, Pendragon volvían a iluminar los escenarios de la ciudad con una noche cargada de emociones. Nick Barrett y los suyos convirtieron una Apolo 2 abarrotada en un universo de melodías, paisajes sonoros y guitarras capaces de transformar la melancolía en luz. Un reencuentro largamente esperado que nos recordó por qué su música sigue siendo tan especial.

“Everything is green and everything is blue”

Todo es verde y todo es azul. Con estas palabras, incluidas en la canción «360 Degrees», Nick Barrett dibuja el paisaje de Cornualles, en el extremo suroeste de Inglaterra, un lugar que, según nos explicaba él mismo durante su último concierto, posee una belleza extraordinaria. Escuchando la canción, no cuesta nada imaginárselo. Porque hay lugares que parecen tener una luz especial. Rincones donde el verde de los campos se funde con el azul del océano y donde el horizonte parece extenderse en todas direcciones. Una luminosidad que, curiosamente, creo que encaja a la perfección con la música de Pendragon, la banda que el músico británico creó hace casi cincuenta años y que ha tardado doce en regresar a Barcelona.

Pendragon está considerada una de las bandas que contribuyeron a definir el género del rock neoprogresivo y, curiosamente, muchos de los grupos de aquella primera hornada de los años ochenta, que recuperó el espíritu del rock progresivo de la década anterior, fueron de origen británico:

Resulta acertado, por tanto, afirmar que el neoprogresivo nació en un país que solemos asociar con los cielos grises, la lluvia y la melancolía, pero cuyas bandas han sido capaces, en algunos casos, de crear una música extraordinariamente luminosa. Como sucede con Pendragon, la banda que hoy centra nuestra crónica.

Como bien sabemos quienes sufrimos las anteriores cancelaciones de sus conciertos, y tal como el propio Barrett nos recordó entre canción y canción, la pandemia fue la principal culpable de que tuvieran que pasar tantos años antes de poder volver a disfrutar de una banda tan especial. Quizás por eso, el pasado 3 de noviembre, la sala Apolo 2 de Barcelona presentaba un lleno tan impresionante como incómodo. Y no precisamente por la música, sino porque es una sala que no acaba de funcionar cuando se llena hasta los topes. La disposición de la barra, a mi entender, contribuye a concentrar buena parte del público en un espacio demasiado reducido.

Pero nada de eso impidió que el concierto fuera un auténtico regalo para los sentidos. Una de esas veladas que compensan con creces los años de espera y que nos obligan, una vez más, a expresar nuestro agradecimiento más sincero a Neverland Concerts, un promotor que sigue haciendo posible que bandas como Pendragon lleguen a nuestros escenarios.

No podemos contar gran cosa de Twice Bitten, el grupo encargado de abrir la noche, porque no llegamos a tiempo de presenciar su actuación. [Nombre pendiente de confirmar].

Puntuales a la hora prevista, Pendragon aparecieron en el escenario ante un público que acumulaba muchas ganas de reencontrarse con ellos. Los primeros compases de «Indigo» sirvieron para terminar de ajustar el sonido, ya que inicialmente costaba apreciar algunos detalles. Una apertura de esas que invitan a dejarse llevar, con los teclados dibujando atmósferas y la guitarra de Barrett desplegando los primeros solos de la noche.

El cantante utilizó el catalán para saludarnos con un «Bona nit, Barcelona! Com esteu?» y pasó al inglés para recordarnos que hacía doce años que no visitaban la ciudad. Con «Eternal Light», de Love Over Fear (2020), la luz comenzaba ya a abrirse paso. Barrett colocaba una cejilla en el mástil de su guitarra para construir una primera parte delicada, repleta de arpegios y melodías que parecían flotar sobre los teclados. Pero, como suele suceder con esta banda, la calma era solo una de las caras de la composición. Cuando el ritmo comenzó a crecer, también lo hizo la respuesta del público, que se sumó con las primeras palmas de la noche. Entre medias, un par de breves apariciones del slide aportaron todavía más expresividad a la interpretación.

Barrett aprovechó la siguiente pausa para disculparse por las anteriores cancelaciones y confesarnos que nos había echado de menos. Así introdujo «North Star, Part III: Phoenician Skies», que nos regaló otro de los momentos especialmente hermosos de la primera parte del concierto. La guitarra acústica marcaba el camino mientras las dos coristas encontraban ya el espacio ideal para mostrar todo su potencial. Sus voces empastaban con la voz principal con una delicadeza extraordinaria, enriqueciendo las melodías con una calidez especial. En uno de los pasajes, una de ellas mantenía la línea vocal mientras la otra tomaba el violín, aportando una nueva textura a la composición. La acústica fue sustituida por la Les Paul para regalarnos otro solo lleno de sentimiento, mientras los teclados construían un paisaje sonoro de múltiples capas.

Entre canciones, el guitarrista continuaba ejerciendo de anfitrión, recordando la primera vez que habían tocado en Barcelona, en la mítica Zeleste, y dejando escapar alguna broma sobre Manuel, el popular personaje de Fawlty Towers.

Tras describir Cornualla como un lugar de extraordinaria belleza, introdujo «360 Degrees», una canción que parece transportarnos directamente a aquellos paisajes verdes y abiertos al océano. La mandolina ponía las primeras notas, pronto acompañada por el violín, en una combinación que impregnaba la composición de un encantador aire folk. La pieza iba creciendo progresivamente, incorporando a toda la banda hasta desembocar en un nuevo momento de comunión con el público, que volvía a seguir el ritmo con las palmas. Después, como si el sol se fuera escondiendo lentamente tras el horizonte, la música perdía intensidad hasta recuperar el diálogo inicial entre mandolina y violín, cerrándose con un delicioso decrescendo. Uno de esos momentos en los que Pendragon consiguen hacernos viajar sin movernos del sitio.

Pero la luz también puede tener una dimensión más íntima y melancólica. Barrett nos explicaba que, cuatro semanas antes, había perdido a un amigo, y le dedicaba «Starfish and the Moon». La voz y el teclado asumían el protagonismo en un inicio de una sensibilidad extraordinaria, antes de dar paso a un solo de guitarra suave y profundamente emotivo. Con una formación reducida sobre el escenario y el bajista asumiendo también funciones a los teclados, la canción se convertía en un pequeño refugio de recogimiento.

El viaje por el repertorio nos llevaba entonces hasta los orígenes de la banda con «Alaska», una pieza de su primer álbum, The Jewel (1985). Barrett nos recordaba que ya la interpretaban en aquellos primeros tiempos y dudaba de si había formado parte del repertorio de aquella primera cita barcelonesa de 1991. El segundo guitarrista aparecía con una espectacular guitarra de doble mástil, mientras la composición comenzaba a desarrollar una atmósfera inequívocamente progresiva. Una introducción pausada, llena de misterio, que acabaría desembocando en una aceleración del ritmo y un solo de guitarra explosivo. Aquí afloraba otra de las virtudes de Pendragon: la capacidad de pasar de la delicadeza a la contundencia sin que nada parezca forzado.

El cantante también nos recordaba que en 2028 la banda celebrará cincuenta años de existencia. Medio siglo de música que esperamos poder celebrar con una nueva visita.

Con «Kowtow» recuperábamos la vertiente más enérgica. Los teclados tomaban la iniciativa con una entrada contundente, acompañados por una guitarra que no tardaba en elevar la intensidad. El público volvía a participar dando palmas incluso antes de la entrada de la voz. Las coristas, cada vez más integradas en el espectáculo, volvían a tener un papel destacado en una composición que alternaba los pasajes vigorosos con momentos de calma. En una de sus crecidas finales, una de las voces femeninas ganaba protagonismo, añadiendo una nueva dimensión a la melodía.

Llegaba entonces un cambio de planteamiento. Barrett se cambiaba de ropa, tomaba una guitarra acústica y se sentaba para iniciar un tramo más íntimo del concierto, acompañado inicialmente solo por el segundo guitarrista y los teclados. Era el momento de bajar las revoluciones y dejar que las canciones respiraran en formato acústico.

«The Black Knight» comenzó bajo una iluminación verde e íntima. Los arpegios, muy marcados, dibujaban una composición que, pese a su aparente sencillez, escondía una gran cantidad de matices. La interpretación acústica permitía descubrir otros detalles de la pieza, regalándonos una versión preciosa, llena de sensibilidad.

Para «The Edge of the World» se incorporaban también el bajista y las coristas, aportando una sonoridad todavía más cálida y coral. Las voces se combinaban con las guitarras acústicas para construir un ambiente de raíces folk que encajaba maravillosamente con el carácter de la velada. Era como si, después de haber atravesado paisajes inmensos con las grandes composiciones progresivas, ahora nos invitaran a sentarnos junto al fuego para escuchar las mismas historias contadas con una voz más cercana.

Con «Breaking the Spell», Barrett recuperaba su característica Woody Strat, dispuesto a ofrecernos uno de los grandes momentos guitarrísticos del concierto. La composición se convertía en la excusa perfecta para desplegar un solo larguísimo, casi una conversación continua entre la guitarra y el resto de los instrumentos. La influencia de David Gilmour se hacía especialmente evidente, no tanto por una cuestión de técnica como por aquella manera de dejar respirar las notas y alargarlas hasta ponernos la piel de gallina. La batería, que comenzaba con mazas en un acompañamiento delicado, iba incrementando progresivamente la intensidad hasta convertirse en un elemento fundamental del crecimiento de la pieza.

Y si todavía nos quedaba alguna emoción por descubrir, «Afraid of Everything» se encargaría de encontrarla. Una canción sencillamente preciosa, de esas que parecen abrazarte desde los primeros compases y que crecen hasta convertirse en una auténtica celebración de la melodía. En el desenlace, la batería adquiría un protagonismo especial, con una interpretación poderosa que culminaba una de las piezas más emotivas de la noche.

La banda se despedía entre aplausos, pero todos sabíamos que todavía no habíamos llegado al final del viaje. Faltaba una canción. Y no una cualquiera.

Chaqueta de rombos para un final monumental. «Masters of Illusion», trece minutos de música que reúnen todos los ingredientes que convierten una composición en un clásico del rock progresivo. Tiempo para que la batería exhiba músculo, los teclados deslumbren, las coristas vuelvan a reivindicar su protagonismo y la guitarra nos regale un último solo marca de la casa, antes de una explosión de batería que desemboca en un final por todo lo alto. Un cierre a la altura de un concierto espectacular que, quizás, hemos tenido que esperar demasiado tiempo para volver a vivir.

Un concierto extraordinario en el que cada uno de los músicos contribuyó, desde su papel, al objetivo compartido de transportarnos a mundos llenos de luz. Clive Nolan, también conocido por su trayectoria con Arena, es, sin duda, uno de los grandes pilares del sonido tan expresivo de la banda. Sus teclados desplegaron, a lo largo de prácticamente todas las composiciones, un abanico inagotable de texturas, colores y matices. El bajo de Peter Gee, miembro original de la formación, mantuvo una presencia constante, aportando una calidez y una profundidad muy especiales. Jan-Vincent Velazco, incorporado a la aventura en 2015, demostró ser un batería de una gran solvencia técnica, capaz de alternar los pasajes más delicados con momentos de auténtica contundencia. Sally Minnear y Johanna Stroud fueron mucho más allá del papel de simples coristas y, en diversos pasajes, adquirieron un protagonismo tan merecido como enriquecedor. La segunda, además, aportó el aire folk de su violín. Rog Patterson, con un papel más discreto, se encargó de redondear las composiciones con su guitarra de doce cuerdas.

¿Y qué podemos decir de Nick Barrett? Alma principal del proyecto, jovial, comunicativo y con esa naturalidad que lo hace tan cercano, cantó con la fuerza y la personalidad que lo caracterizan, mientras alternaba guitarras y mandolina para construir toda clase de paisajes sonoros. Desde sus inconfundibles arpegios hasta esos solos tan personales, en los que cada nota parece escogida para despertar una emoción. Una guitarra suave en las formas, pero profunda, penetrante y cargada de una sensibilidad extraordinaria.

Quizás esa sea, al fin y al cabo, la gran virtud de Pendragon. Su capacidad colectiva para hacer desaparecer el mundo que tenemos ante nuestros ojos y sustituirlo, durante un rato, por otro más hermoso. Un mundo donde las melodías tienen colores, las guitarras y los teclados dibujan horizontes y hasta la melancolía acaba encontrando una rendija por la que dejar entrar la luz.

Doce años son demasiado tiempo para esperar un regalo como este. Ojalá solo tengamos que esperar dos años más para volver a verlos y celebrar una historia luminosa de cincuenta años.