Tommy Henriksen: «Estamos preparando otro álbum de estudio para el próximo año»
Tommy Henriksen lleva décadas moviéndose entre algunos de los nombres más importantes del rock, pero lejos de vivir de su pasado, continúa mirando hacia delante. Guitarrista de Hollywood Vampires junto a Alice Cooper, Joe Perry y Johnny Depp, productor y artífice de Crossbone Skully, Henriksen habla en esta entrevista de la gira europea, de compartir escenario con Ronnie Wood, de su colaboración con Phil Collen y Mutt Lange y de su particular manera de entender la música. Una conversación en la que también descubrimos al músico que existe detrás del escenario: curioso, inquieto y siempre dispuesto a seguir aprendiendo.
Entrevista por Lorenzo Sanz / Fotos: David-Rattenbury / Victor-Chalfant / Jodi-Cunningham
Tommy, acabas de comenzar la gira europea de Hollywood Vampires y, además, esta vez hay una presencia especialmente significativa sobre el escenario: Ronnie Wood, guitarrista de The Rolling Stones. ¿Cómo surgió la posibilidad de que Ronnie volviera a tocar con vosotros y qué supone para ti compartir escenario con alguien como él?
Ronnie ya tocó con nosotros la última vez que hicimos una gira con Hollywood Vampires. Además, es muy amigo de Alice, Joe y Johnny, así que existe una relación muy natural entre todos nosotros. Esta vez, simplemente, Ronnie estaba en la ciudad y las cosas se dieron de una manera muy espontánea. Antes del concierto, Ronnie nos preguntó qué queríamos tocar y Coop dijo: «Brown Sugar». Pensé que era una elección fantástica. Ronnie comentó que hacía mucho tiempo que no tocaba esa canción y, poco después, Joe, Ronnie y yo estábamos en una pequeña sala de afinación tocando «Brown Sugar» y repasando también «Train Kept A-Rollin’». Para mí fue uno de esos momentos que difícilmente puedes explicar. Yo crecí en Long Island, Nueva York, escuchando a estos músicos y admirándolos. De repente estaba allí, en una habitación, tocando con Ronnie Wood y Joe Perry. Pensé: «Ojalá alguien estuviera grabando esto». Y lo mejor es que mi hijo lo estaba grabando. Me giré y le pregunté y me dijo: «Papá, lo tengo. No te preocupes». Así que fue un momento realmente especial para mí. Ronnie, además, es el tío más genial.
Hollywood Vampires reúne a Alice Cooper, Joe Perry, Johnny Depp y tú, cuatro músicos con agendas muy diferentes y carreras tremendamente activas. ¿Hasta qué punto es complicado conseguir que todos podáis coincidir para hacer una gira?
Es realmente complicado. Detrás de una gira como esta hay muchísimo trabajo por parte de Paul Geary, Shep Gordon, Lisa y de todas las personas que están involucradas en la organización. Los horarios de Alice, Johnny y Joe están completamente llenos. Muchas veces estamos hablando de algo que empieza a organizarse uno o incluso dos años antes. Finalmente conseguimos coordinarlo todo y reunirnos, y lo curioso es que, en cuanto estamos juntos, parece que nunca nos hubiéramos separado. Todo vuelve a sentirse natural inmediatamente. Para mí es algo muy difícil de explicar, porque todos esos tipos fueron mis héroes cuando era niño. Incluso Johnny, aunque todo el mundo lo conozca principalmente como actor, es también un guitarrista increíble. Poder estar con ellos y tocar juntos cada noche sigue siendo algo asombroso para mí. Es difícil conseguir que todos los calendarios encajen, pero cuando finalmente lo conseguimos, es fantástico.
Acabáis de publicar un nuevo álbum en directo y también hay un documental en camino. Además, ya estáis trabajando en otro disco de estudio. Con agendas tan complicadas, ¿cómo conseguís encontrar el tiempo necesario para crear nueva música juntos?
Cuando haces un disco de Hollywood Vampires no puedes hacerlo por internet. Con estos tipos tienes que estar físicamente en la misma habitación. No es un proyecto en el que podamos decir: «Tú grabas tu parte, me mandas los archivos y luego ya lo montamos». Cuando hacemos un disco, realmente estamos tocando juntos. No hay una obsesión por editarlo todo, poner Auto-Tune, cuadrar perfectamente las guitarras con la batería o conseguir que todo sea matemáticamente perfecto. Johnny toca lo que siente, Joe toca lo que quiere tocar, Alice aporta lo suyo y todos construimos la canción juntos. Por eso el proceso tiene que ser orgánico. Y ahora estamos preparando otro álbum de estudio para el próximo año. Además del disco en directo que acaba de salir, tenemos otro álbum en directo asociado al documental y también el propio documental. Así que voy a estar muy ocupado. Tendré que ir a ver a Johnny, después a Joe, después a Alice y también pasar tiempo en Los Ángeles. Pero precisamente eso es lo que hace que el proceso sea tan divertido. Nunca sabes exactamente qué va a suceder. Puedes entrar en una habitación y decirle a Johnny: «¿Qué tienes?». Él puede responder: «Tengo una idea». Entonces pruebas algo, Joe aporta otra cosa, Alice añade otra… No hay un plan cerrado. Simplemente experimentamos y vemos qué sucede. Es una manera muy orgánica de hacer música, y me encanta.
Después de tantos años, Alice Cooper y Joe Perry siguen ofreciendo conciertos con una energía que muchos músicos mucho más jóvenes tendrían dificultades para mantener. ¿Qué crees que tiene el rock and roll para conservar esa fuerza durante tantas décadas?
Te diré algo: tengo 62 años y sigo rockeando muy duro. Llevo los últimos 16 años tocando con Alice y todavía me sorprende verlo cada noche. Hace cosas sobre el escenario que muchos chicos de veinte años no podrían mantener. Tocamos cinco o seis conciertos por semana y podemos estar ocho, nueve o incluso diez meses al año de gira. Joe Perry también está en una forma increíble. Johnny, Chris Wise al bajo, Buck Johnson en los teclados, Glenn Sobel… todos están dando el 110%. Pero Alice es algo diferente. Lo miro y pienso: «Este tío no para nunca». No descansa. No hay descanso para Coop. Para mí, Alice Cooper es uno de los mejores cantantes y artistas de rock and roll que siguen vivos. Tengo muchísima suerte de poder tocar con él cada noche.
A lo largo de tu carrera has trabajado con artistas muy diferentes, desde Meat Loaf y Lou Reed hasta Lady Gaga. ¿Qué te permite moverte con tanta naturalidad entre estilos musicales tan distintos?
Escucho todo tipo de música. Me encanta el pop, me encanta el rock y especialmente me encanta la música de los ochenta y el new wave de aquella época. Tuve la suerte de crecer pasando por los setenta, los ochenta y los noventa. Viví el grunge, escuché todo lo que vino después e incluso atravesé la época de las boy bands. He vivido muchas etapas diferentes de la música. Todo eso está dentro de mí. Forma parte de mi ADN: rock and roll, punk rock, new wave… Por eso puedo entrar en una habitación con prácticamente cualquier persona y crear algo. No sé si necesariamente será algo genial, pero sé que puedo crear algo.
Precisamente trabajaste con Lady Gaga en una etapa muy temprana de su carrera. ¿Qué recuerdas de aquella experiencia y qué ocurrió finalmente con las canciones que escribisteis juntos?
Recibí una llamada de Jimmy Iovine. Me dijo que acababa de fichar a una artista llamada Lady Gaga y que quería que nos reuniéramos para escribir algunas canciones juntos. Nos juntamos y escribimos tres o cuatro canciones. Y eso fue todo. Después nunca volví a saber nada más. Lo curioso es que yo pensé que nos habíamos entendido muy bien y que el trabajo había funcionado. Pero así es el negocio de la música. Un minuto estás en una habitación con alguien, todo va estupendamente y al siguiente no vuelves a saber nada de esa persona. Una de las cosas que he aprendido es que no puedes tomarte la música de manera personal. Son simplemente gustos diferentes. A veces algo funciona y otras veces no. Cuando Gaga entró en aquella habitación ya tenía algo especial. Podía tocar, podía cantar y tenía una presencia increíble. Yo pensé: «Joder, quiero estar en este disco». Pero finalmente no ocurrió. Y está bien.
Pasemos a Crossbone Skully. El nuevo álbum tiene una fuerte conexión con el hard rock clásico, pero también parece querer escapar de las etiquetas. ¿Qué querías conseguir exactamente con este disco?
Quería hacer un disco que tuviera el sonido de Def Leppard. La producción era muy importante para mí y quería conseguir ese sonido de los ochenta, pero al mismo tiempo mantener las raíces del rock clásico. Cuando escuches el álbum completo vas a encontrar cosas que probablemente no esperes. En un momento puedes encontrarte con una influencia de spaghetti western y después pasar a algo mucho más bailable. Eso es precisamente lo que me gusta del disco. Cuando escucho a bandas como The Who o Queen, me encanta que no tengan miedo de salirse de lo que se supone que deberían hacer. Pueden introducir elementos country, dance o cualquier otra cosa y seguir siendo ellos mismos. Yo no quería que Crossbone Skully fuera una sola cosa. Quería hacer un disco melódico, pero también quería meter todas mis influencias. Me encanta Alex Harvey, me encanta AC/DC, me encanta Def Leppard y me encanta la música country. Intenté poner todo eso dentro del álbum y espero que cuando la gente lo escuche piense: «Esto está muy bien. Es interesante. No me esperaba esto».
Uno de los grandes momentos del álbum es «Thunder Love», en la que participa Phil Collen de Def Leppard. ¿Cómo terminó Phil formando parte de la canción?
Hay una historia bastante divertida detrás de eso. Estábamos haciendo la residencia de Alice Cooper en Las Vegas y Def Leppard estaba dando allí su último concierto de aquella residencia. Conseguimos entradas, pero no teníamos pases para backstage, así que estábamos entre el público. Después del concierto, uno de los chicos que conocemos y que es amigo de ellos nos consiguió meter entre bastidores. No puedo decir quién fue porque nos pidió que no dijéramos nada. Allí estaba Phil. Nos saludamos y lo primero que me preguntó fue: «¿Cómo está Mutt?». Le dije que estaba genial y entonces me preguntó: «¿Tienes algo para que yo toque?». Le dije que sí, que tenía una pista, y le pedí que la escuchara y me llamara después. Me llamó enseguida y me dijo: «Tommy, tengo un plan para esta». Cuando escribí «Thunder Love» quería que tuviera ese espíritu de Def Leppard. Quería utilizar la palabra «thunder» porque siempre me ha encantado esa sensación, y también quería que fuera casi un homenaje a Steve Clark. Entonces le dije a Phil que quería que tocara las partes de guitarra limpias y que sacara el Rockman. Quería ese sonido de «Photograph», porque era una de mis canciones favoritas cuando era niño. Cuando escuché lo que había hecho, con Phil y Mutt involucrados, me emocioné muchísimo. Estaba literalmente llorando. Pensé: «Ese es el sonido. Eso es exactamente lo que quería». Y después le pedí que hiciera un solo inspirado en Pyromania. Quería escuchar al Phil de la vieja escuela y cumplió de sobra.
La colaboración con Phil no terminó en la grabación. También aparece en el videoclip de «Thunder Love». ¿Cómo fue todo el proceso de llevar esa colaboración al terreno visual?
Después de grabar la canción le pregunté a Phil si estaría dispuesto a aparecer en el vídeo. Me respondió que se sentiría honrado. Entonces tuvimos que organizar toda la logística para reunirnos en Los Ángeles. Al final salió perfecto y conseguimos reunir a todo el mundo. También era importante para mí contar con determinados músicos. Quería tener a Anna Cara, que toca conmigo con Alice, quería recuperar a Tuesday en la batería y quería a Jenny V en el bajo. Le dije a Phil: «Esta es la banda» y entró con nosotros. El rodaje fue una auténtica locura. Creo que estuvimos unas 17 horas y Phil estuvo allí alrededor de 14. Quería que el vídeo pareciera un videoclip de MTV de 1984. Quería incluso esa estética de las antiguas letras de MTV en una esquina. Quería colores brillantes, pero al mismo tiempo una atmósfera oscura y sexy, con cierta influencia visual de Blade Runner. Además, quería contar una historia y esconder pequeños detalles que solo descubres si ves el vídeo con atención. Hubo mucha planificación detrás y creo que funcionó realmente bien.
Después de tantos años trabajando para otros artistas, Crossbone Skully representa una oportunidad para que tú seas quien tenga el control creativo. ¿Se siente diferente cuando la música nace directamente de ti y eres tú quien toma las decisiones finales?
Me encanta. Es diferente porque estoy sentado en mi propia habitación y puedo levantarme cada mañana, entrar en mi estudio y preguntarme qué tengo. Lo primero que hago es llevar al niño al colegio, tomarme un café y sentarme delante de todo mi estudio. Entonces miro el teléfono, porque siempre estoy tomando notas. Cuando alguien dice algo interesante, divertido o que me llama la atención, lo apunto. Puede ser Alice, Joe o cualquier otra persona. Después miro todas esas notas y pienso: «A ver si puedo hacer algo con esto». Empiezo una idea y trabajo sobre ella, y vuelvo a trabajar sobre ella hasta que creo que tengo algo. La mayoría de las veces es basura, para ser sincero. Pero de vez en cuando aparece una canción de la nada y no sabes realmente de dónde ha salido. No quiero sonar demasiado místico, pero es casi como si algo apareciera de repente. Y siempre pienso: «¿Por qué no puede suceder esto todo el tiempo?».
¿Fue precisamente así como nació «Thunder Love»?
Sí. Estaba sentado tocando unos acordes muy básicos: Mi menor, Do, Sol y Re. Pensé que sonaban bastante bien y que quizá podía ponerles una melodía. Entonces empecé a pensar que quería una canción cuyo título incluyera «Thunder». Escribí «Thunder» y empecé a buscar diferentes palabras para completarlo. Se me ocurrían cosas horribles. Y de repente apareció «Thunder Love». Pensé: «¿Qué demonios es Thunder Love?». Y empecé a cantar: «Can you hear my Thunder Love? Can you feel my Thunder Love?». En ese momento pensé: «Tienes que estar bromeando». Pero ahí estaba. Esa era la canción. Después se la envié a Mutt y él empezó a trabajar sobre ella. Nos la fuimos enviando de un lado a otro, haciendo cambios y desarrollándola, hasta que finalmente sentimos que estaba donde tenía que estar.
Has pasado muchos años rodeado de algunos de los nombres más importantes de la historia del rock: Alice Cooper, Joe Perry, Johnny Depp, Mutt Lange, Bob Ezrin… ¿Cuánto ha cambiado tu manera de entender la música después de trabajar y aprender junto a todos ellos?
Han tenido un impacto enorme en mí, no solamente en mi carrera musical, sino también en mi vida. El carisma de Alice Cooper, por ejemplo, es increíble. Es un letrista extraordinario y un auténtico maestro con las palabras. Yo tardo bastante en escribir letras porque muchas veces estoy cabreado, mientras que Alice tiene una habilidad especial para encontrar las palabras adecuadas. Pero una de las cosas más importantes que he aprendido de todos ellos es simplemente escuchar. Cuando estás con Alice Cooper, Joe Perry, Johnny Depp, Mutt Lange o Bob Ezrin, tienes que escuchar. No puedes estar constantemente hablando o intentando demostrar lo que sabes. Tienes que observar cómo trabajan y absorberlo todo. A veces crees que has entendido cómo lo hace Mutt, por ejemplo, y piensas: «Ya lo tengo». Y cinco minutos después te das cuenta de que todavía no lo has entendido. Pero sigues escuchando y sigues aprendiendo. He aprendido muchísimo de todos esos tipos simplemente estando cerca de ellos.
Cuando produces a otro artista tienes que descubrir qué es lo que lo hace especial. En cambio, cuando trabajas en tu propia música, ¿es más sencillo porque sabes exactamente lo que quieres?
Para mí es bastante fácil trabajar en mi propia música porque me gusta estar cerca de ella. Sé lo que me gusta y, cuando algo me llega, normalmente lo sé inmediatamente. Puede ser incluso algo completamente inesperado, como una canción con una influencia reggae. Si me gusta, la haré así. En el nuevo material hay algunas cosas que creo que van a sorprender a la gente y harán que digan: «Dios mío, ¿él también puede hacer eso?». Además, cuando hago mi propia música soy el único que toma la decisión. Soy el juez y el jurado. Tengo unas 70 canciones que he trabajado con Mutt y puedo escucharlas y decidir: «Voy a utilizar esta». O puedo pensar que es mejor escribir una nueva. Cuando produzco a otra persona, primero quiero escuchar lo que tiene. Después puedo decirle lo que pienso y hacia dónde creo que deberíamos llevarlo. Y especialmente cuando trabajo con un cantante, no me preocupa simplemente que tenga una gran voz. Para mí lo importante es el carácter. La actitud. ¿Puede transmitir una canción? Hoy puedes hacer que prácticamente cualquiera suene técnicamente perfecto con Auto-Tune y toda la tecnología que existe, pero eso no crea personalidad. Lo que busco es alguien que tenga carácter y que pueda hacerte creer lo que está cantando. Eso es algo que encuentras en gente como Alice Cooper, Bon Scott, Brian Johnson, Alex Harvey, Iggy Pop, Peter Gabriel, David Bowie, Roger Daltrey, Pete Townshend o Steven Tyler. Todos ellos tienen algo que no puedes fabricar.
También eres músico y productor. Cuando estás de gira y cuando estás en el estudio estás desarrollando dos facetas muy diferentes de tu personalidad. ¿Qué es lo que más disfrutas de cada una?
Lo que más me gusta de estar de gira es conocer gente. Es agotador, pero conoces a muchísimas personas. Yo ni siquiera suelo llamarlos fans; prefiero llamarlos simplemente humanos. Estableces relaciones con ellos, los ves, hablas con ellos. Siempre le digo a la gente que para nosotros una gira puede convertirse en una especie de Día de la Marmota, porque hacemos prácticamente lo mismo cada día. Pero tienes que recordar que esas personas llevan meses, o incluso un año, esperando para verte. Por eso, cuando tengo la oportunidad, intento dedicarles un momento. Si alguien quiere hacerse una foto, me hago una foto. Si quiere hablar, hablamos. Quiero que sepan que, aunque tengamos poco tiempo, van a tener su momento conmigo. Soy bastante accesible. No soy el tipo de persona que se esconde de la gente.
Y después de una gira tan intensa, ¿también necesitas momentos en los que simplemente quieras estar solo y desconectar de todo?
Sí, absolutamente. También necesito tiempo a solas. Necesitas poder desconectar y recargar las baterías. Incluso durante una gira hay días en los que llego a la habitación del hotel y simplemente pienso: «No quiero hablar con nadie ahora mismo». No significa que haya pasado nada. Es simplemente que necesitas apagar el interruptor durante un rato. Te tumbas en la cama, estás solo, ves algo en Netflix —Juego de Tronos o lo que sea que haya disponible— y simplemente desconectas. Creo que ese equilibrio es necesario. Puedes disfrutar muchísimo de estar rodeado de gente, pero también necesitas esos momentos en los que no tienes que hablar con nadie.
La industria musical ha cambiado radicalmente desde que comenzaste tu carrera. ¿Qué crees que los músicos jóvenes de hoy entienden mejor que vuestra generación y qué crees que han perdido por el camino?
Creo que los músicos jóvenes entienden mejor lo jodido que puede ser el negocio de la música. Cuando eres un niño tienes sueños y expectativas. Piensas que vas a conseguir un contrato discográfico y que todo va a funcionar. Después creces y empiezas a descubrir cómo funciona realmente la industria. Incluso llegué a dirigir una compañía discográfica y hubo cosas que no entendía. Veía a gente que hacía un trabajo horrible o que prácticamente no hacía nada y, sin embargo, seguía ascendiendo. Eso me decepcionaba muchísimo. Pero después de tantos años he aprendido que no puedes tomarte esas cosas de manera personal. Son negocios. Así funcionan las cosas. La gran diferencia hoy es que los músicos pueden lanzar su propia música y hacer que llegue directamente a muchísima gente. Eso es fantástico. El problema es que también hay muchísimo tráfico. Hay muchísimas bandas y muchísima música ahí fuera. Conseguir que alguien te escuche es complicado. Con Crossbone Skully tuvimos la ventaja de que existe una conexión con Hollywood Vampires y Alice Cooper, pero también quisimos demostrar que podíamos hacer las cosas por nuestra cuenta.
De hecho, después de dejar Better Noise publicaste «Lost» de manera independiente. ¿Cómo terminó aquello llevando a la situación actual de Crossbone Skully?
Acabábamos de dejar Better Noise y fueron muy amables al dejarnos salir. Entonces pensé: «Déjame sacar una canción y un vídeo por mi cuenta». Lo hicimos con «Lost», a través de Deco, y de repente funcionó realmente bien. Entonces Max se puso en contacto conmigo. Le dije que estaba dispuesto a escuchar lo que tuviera que decirme y empezamos a hablar. Conozco a Max desde hace bastante tiempo y ya había trabajado con su equipo, así que la relación era buena desde el principio. Todo encajó. Me gustó el planteamiento, me gustó la relación y sentí que era lo correcto para Crossbone Skully. Ahora tenemos un plan muy bueno para los próximos singles y para el álbum. El disco está previsto para enero de 2027 y tenemos nuevos singles programados aproximadamente cada seis semanas. Estoy deseando que la gente empiece a escuchar todas esas canciones porque todavía queda muchísimo material por descubrir.
¿Y existe la posibilidad de que Crossbone Skully salga de gira para presentar ese álbum, especialmente en Europa?
Me encantaría hacer una gira por Europa. De hecho, me encantaría que Crossbone Skully pudiera telonear a Def Leppard o a alguna de esas bandas. No sé exactamente cuándo podremos hacerlo, porque tengo que encajar todo con los compromisos de Alice Cooper y Hollywood Vampires, pero definitivamente está en proceso. El próximo año tenemos muchas cosas sucediendo. Está prevista la película de Hollywood Vampires, tengo que empezar a trabajar en otro disco de Hollywood Vampires con los chicos a partir de enero y también tenemos el álbum asociado al documental en directo. Así que hay muchísimo trabajo por delante, pero definitivamente quiero llevar Crossbone Skully a Europa.
Tommy, muchas gracias por tu tiempo. Ha sido un verdadero placer hablar contigo. Enhorabuena por el nuevo material de Hollywood Vampires y por todo lo que viene con Crossbone Skully. Disfruta de la gira.
Muchas gracias, Lorenzo. ¡Ha estado genial! ¡Gracias, tío!
